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viernes, 8 de junio de 2018

EL MUNDO ES SUYO O EL HUMOR COMO AUTORRETRATO DE UNA SOCIEDAD




Se tiende a pensar que lo dramático, lo solemne, lo cargado de severidad y profundidad proporciona mayor capacidad para reflejar una sociedad, un momento histórico, una mentalidad colectiva que lo humorístico, lo ligero o lo aparentemente intrascendente. Sin duda, se trata de un gran error. La idiosincrasia de un grupo humano se refleja igual de bien o, a veces, mucho mejor en aquello por lo que ríe que por aquello por lo que llora o sufre. De hecho, los motivos del padecimiento humano apenas varían de un extremo a otro del mundo. Sin embargo, al chiste que funciona en un lugar determinado puede costarle mantener su condición a más allá de mil kilómetros de distancia (a veces, incluso menos). Todos compartimos el dolor (y hasta cabría pensar que una experiencia amarga vivida junto a otros sirve para reforzar vínculos y afectos). Sin embargo, puede no existir mayor sensación de soledad o extrañamiento que no reír cuando los demás lo hacen.

jueves, 7 de junio de 2018

ENTREVISTA A FERNANDO MERINERO. RADIOGRAFÍA DE UN GUERRILLERO DEL CINE (y II): LAS 1001 NOVIAS




Si ayer revisábamos toda la filmografía de Fernando Merinero, hoy es el turno de hablar largo y tendido de la que, sin duda alguna, es, hasta el momento, su opus magnum, la trilogía Las 1001 novias, estrenada en 2017 y formada por Capturar, Alumbrar Cortar, tres títulos que, aunque relacionadas por su trama y su temática, no dejan de tener, cada una de ellas, su propia personalidad. Las tres películas tienen como base argumental el deseo del director de reencontrarse con la protagonista de Los hijos del viento, su primer largometraje: Magaly Santana. Ello sirve de catalizador para que asistamos a una cascada de situaciones (en las que unos tonos dramáticos y humorísticos muy peculiares se combinan, a veces sin solución de continuidad) que nos llevan a reflexionar sobre los mecanismos del cine y la narración, sobre las relaciones humanas y sobre el amor y sobre la posibilidad de reinventarnos y descubrir nuevos modos de encuentro e interacción. Mientras que Capturar es la película más metacinematográfica de las tres, en la medida en que es donde se apuesta más por desvelar y jugar con los mecanismos convencionales de la ficción, y Alumbrar es la que se dedica en mayor medida a explorar los sentimientos y evolución personal del propio director (protagonista, a su vez, de la trilogía), Cortar es donde asistimos al reencuentro entre Fernando Merinero y su primera actriz protagonista y donde, como en una sinfonía perfectamente orquestada, llegan a su culminación simultánea todos los leit-motiv que se han ido sucediendo a lo largo del metraje anterior. Aprovechando que la trilogía (o “trilorgía”, como ahora se llama en la nueva edición) ha salido en DVD, lo que va a servir para que pueda tener mayor difusión de la que tuvo en el momento de su estreno, profundizamos con Fernando Merinero en los ejes fundamentales en torno a los que giran este importante tríptico de películas.

miércoles, 6 de junio de 2018

ENTREVISTA A FERNANDO MERINERO. RADIOGRAFÍA DE UN GUERRILLERO DEL CINE (I): REVISIÓN DE SU FILMOGRAFÍA



Fernando Merinero, en Cortar, se contempla a sí mismo cómo era más de veinte años antes durante el rodaje de Los hijos del viento. En esta primera parte de la entrevista, también nosotros le preguntamos por ese pasado, por toda su obra hasta la trilogía de Las 1001 novias


En España, se da la insólita circunstancia de que hay una larga lista de nombres de directores que, contra viento y marea, en medio de un ambiente hostil de incomprensión y perplejidad, logran hacer un cine absolutamente personal y sacar adelante proyectos que parecen, en principio, inviables, imposibles, descabellados o cualquier adjetivo que se le parezca. Calificamos de “insólita” tal circunstancia porque, en un entorno tan poco propicio para películas que no circulen por vías convencionales, cabría esperar que no proliferaran este tipo de directores. Sin embargo, sucede todo lo contrario. Hay una larga tradición de cine audaz y arriesgado que empieza con Luis Buñuel y que sigue, en heterogénea amalgama de enfoques y estilos, con nombres como Armand Guerra, Lorenzo Llobet Gracia, José Val del Omar, Javier Aguirre (y su “anticine”), Pere Portabella, Jacinto Esteva, Joaquim Jordá, Juan Estelrich, padre, y Juan Estelrich, hijo, Víctor Erice, Basilio Martín Patino, José Antonio Salgot, Paulino Viota, Gonzalo García-Pelayo, Iván Zulueta, José Luis Lozano, Carlos Pérez Merinero, Manuel Huerga, Agustí Villaronga, José Luis Guerín, Norberto Ramos del Val, Juan Pinzás, Albert Serra, Isaki Lacuesta, Gabriel Velázquez, Pablo Maqueda, Carlos Vermut, María Cañas, Eloy Enciso, Mauro Herce, Ana Asensio, Miguel Llansó… Seguro que nos quedamos algún nombre en el tintero y eso demuestra que, pese a todo, existen directores de raza que, luchando contra un mar de adversidades, acaban haciendo películas acordes a sus principios y a sus ideas.

martes, 5 de junio de 2018

ENTREVISTA A LUCIO ROMERO. UNA PASIÓN SIN FINAL (y III)



Fotografía de Lorenzo Hernandez


La última pregunta de la entrevista a Lucio Romero gira en torno a un tema que le duele, que le afecta y que suscita todas sus preocupaciones. Gira en torno a la gran pasión de su vida: su colección de 4.000 carteles cinematográficos, una colección creada a lo largo de años de esfuerzo y tenacidad. Como hemos visto a lo largo del extenso encuentro que tuvimos con él, Lucio es un hombre que ha salido adelante gracias a su empeño y capacidad de lucha, logrando conseguir el éxito cuando todo le parecía adverso. Del mismo modo, ha logrado construir un patrimonio de memoria cinéfila único y admirable, un conjunto irrepetible de carteles cinematográficos de todas las épocas, tanto españoles como extranjeros, que, si lograsen llegar a tener un lugar permanente para su exposición, no cabe duda de que atraerían la atención de miles de visitantes interesados por el mundo del cine y por todo lo que le rodea.

lunes, 4 de junio de 2018

ENTREVISTA A LUCIO ROMERO. UNA PASIÓN SIN FINAL (II)


Fotografía de Lorenzo Hernandez


ENTREVISTA A LUCIO ROMERO: UNA PASIÓN SIN FINAL (II)

Hoy, continuamos con la entrevista a Lucio Romero. Empezamos a finales de los 60 y llegamos hasta el siglo XXI. Vamos a tener ocasión de conocer anécdotas divertidas, entrañables pero, al mismo tiempo, de descubrir maniobras torticeras que la envidia puede provocar. Creo que Lucio Romero, a la vez que nos habla de su vida, nos hace un recorrido poco transitado por un mundo donde cabe lo excelso, lo grandioso, lo emotivo pero, también, lo reprochable y censurable. En definitiva, una vida apasionante que a mí, como autor del artículo, ya me ha apasionado, me ha enganchado y me he quedado con ganas de saber más de ella. Pero no crean que hoy acaba el repaso a la vida de Lucio Romero. En la tercera entrega, todavía queda una cuestión cuyo desenlace todavía desconocemos...



Lucio Romero nos sigue contando detalles de su larga carrera como actor (Fotografía: Lorenzo Hernandez)


sábado, 2 de junio de 2018

ENTREVISTA A LUCIO ROMERO: UNA PASIÓN SIN FINAL (I)



(El tratamiento visual de este artículo se ha realizado con la inestimable colaboración del fotógrafo Lorenzo Hernandez, autor de las fotos de la composición que encabeza la entrada.)

Lo que hoy es el mundo del cine, del teatro, de la interpretación en general es deudor de un duro pasado relativamente reciente, de todo un bagaje de hombres y mujeres que, en condiciones poco propicias, luchando contra un ambiente hostil frente al mundo de la creación y del arte, recorriendo kilómetros y kilómetros de carreteras serpenteantes y asfaltos resquebrajados, bajo lluvias de tormenta y soles abrasadores, han logrado desarrollar su profesión y ser piezas esenciales para poder llevar hasta los espectadores de los puntos más remotos de nuestra geografía obras de teatro, películas, historias que nos han emocionado y que nos han hecho reír, historias que nos han ayudado a entender el mundo y la realidad, historias que han abierto nuestras mentes y nos han hecho ver que había otros lugares más allá del horizonte, historias, en definitiva, que nos han hecho soñar y olvidarnos, durante un par de horas, de los sinsabores que nos dolían y de las tristezas que nos arañaban.



El actor Lucio Romero llega al lugar donde hemos concertado la entrevista (Fotografía: Lorenzo Hernandez.)

viernes, 1 de junio de 2018

LA OTRA CARA DEL FESTIVAL DE MÁLAGA. EL FESTIVAL Y LOS SIETE PECADOS CAPITALES: 7.- LA LUJURIA



Imagen de Ana de día de Andrea Jaurrieta


Y, para acabar esta serie, llegamos a la lujuria. Desde el punto de vista religioso, junto al asesinato, la idolatría y la blasfemia, posiblemente el pecado por antonomasia. O, simplemente, EL PECADO, así, en mayúsculas, porque toda religión que se precie lo primero que hace es regular y disponer sobre el tema sexual (a fin de cuentas, para los asesinatos, ya está la legislación penal). 

Pablo VI, a pesar del carácter aperturista que se le presuponía, en la encíclica Humanae vitae (1968) fue tajante e impermeable a cualquier matiz o excepcionalidad: "«El matrimonio y el amor conyugal están ordenados por su propia naturaleza a la procreación y educación de la prole. Los hijos son, sin duda, el don más excelente del matrimonio y contribuyen sobremanera al bien de los propios padres». (...) Esta doctrina, muchas veces expuesta por el Magisterio, está fundada sobre la inseparable conexión que Dios ha querido y que el hombre no puede romper por propia iniciativa, entre los dos significados del acto conyugal: el significado unitivo y el significado procreador. Efectivamente, el acto conyugal, por su íntima estructura, mientras une profundamente a los esposos, los hace aptos para la generación de nuevas vidas, según las leyes inscritas en el ser mismo del hombre y de la mujer". Es decir: el acto sexual sólo es legítimo si está orientado a la procreación.

En estos tiempos seculares, la visión de la sexualidad no está dirigida según este estricto punto de vista y vivimos unos tiempos relativamente liberales, pero, a pesar de ello, la cuestión continúa siendo problemática y, aunque la consideración del carácter pecaminoso de la misma ha sufrido un sustancial repliegue, no por ello dejamos de ver en el tema un campo de minas dispuestas a estallar al más mínimo roce.

jueves, 31 de mayo de 2018

LA OTRA CARA DEL FESTIVAL DE MÀLAGA. EL FESTIVAL Y LOS SIETE PECADOS CAPITALES: 6.- LA IRA



Imagen del cortometraje Jauría

La página web es.catholic.net empieza afirmando sobre la ira que "es tan poderosa que resulta repulsiva tanto para quien la experimenta en sí mismo como para quien la advierte en otro". Pero, al mismo tiempo, distingue entre el sentimiento de ira y el pecado de ira. "Muchos católicos habían creído que el sentimiento de ira era en sí mismo pecaminoso. Ha tenido que pasar mucho tiempo hasta descubrir que es una emoción humana normal, regalo de Dios para la supervivencia física y psicológica. La Carta a los Efesios, cuando afirma: «Si se aíran, no pequen; no se ponga el sol mientras están airados... Toda acritud, gritos, maledicencia y cualquier clase de maldad, desaparezca de entre ustedes» (Ef. 4, 26-31), entiende que no es el sentimiento de ira lo que es malo, sino la conducta perjudicial o culpable que dimana de él".

miércoles, 30 de mayo de 2018

LA OTRA CARA DEL FESTIVAL DE MÁLAGA. EL FESTIVAL Y LOS SIETE CAPITALES: 5.- LA SOBERBIA



Imagen de No dormirás


Según la página web es.catholic.net, San Gregorio, en su XXXIII Moral, afirmaba que había cuatro manifestaciones de la soberbia:
- El creerse que el bien que posee procede de sí mismo.
- El pensar que los dones concedidos gratuitamente por Dios han sido merecidos por uno mismo.
- El jactarse de poseer lo que no se tiene.
- El despreciar a los demás, ansioso de que sólo brille el bien suyo.

Aunque pueda parecer sorprendente, los diferentes tipos de soberbia que hemos visto en películas del último Festival de Málaga (muy distintas entre ellas) guardan un sorprendente paralelismo con las enunciadas por aquel piadoso varón del siglo VI.

domingo, 27 de mayo de 2018

LA OTRA CARA DEL FESTIVAL DE MÁLAGA. EL FESTIVAL Y LOS SIETE PECADOS CAPITALES: 4.- LA AVARICIA



Imagen de Laura Ledesma en Diana


Dice el catecismo de la Iglesia Católica que "el apetito sensible nos impulsa a desear las cosas agradables que no poseemos. Así, desear comer cuando se tiene hambre, o calentarse cuando se tiene frío. Estos deseos son buenos en sí mismos; pero con frecuencia no guardan la medida de la razón y nos empujan a codiciar injustamente lo que no es nuestro y pertenece o es debido a otra persona. El décimo mandamiento prohíbe la avaricia y el deseo de una apropiación inmoderada de los bienes terrenos. Prohíbe el deseo desordenado nacido de la pasión inmoderada de las riquezas y de su poder. Prohíbe también el deseo de cometer una injusticia mediante la cual se dañaría al prójimo en sus bienes temporales".

viernes, 25 de mayo de 2018

LA OTRA CARA DEL FESTIVAL DE MÁLAGA. EL FESTIVAL Y LOS SIETE PECADOS CAPITALES: 3.- LA PEREZA




Imagen de Montag

La página web es.catholics.net afirma que "la pereza es considera como la madre, engendradora y soporte de todos los vicios, e impide realizar las virtudes y valores humanos. La pereza es el pecado capital, vicio, negligencia, tedio o descuido que impide hacer las cosas que se deben hacer. Es la flojedad, el descuido, la ociosidad o la tardanza en realizar acciones o movimientos. Crea adicción, pues nunca va a menos, siempre va en aumento si no se corrige". Como ven, con independencia de que este párrafo intente delimitar los postulados de la doctrina católica sobre el tema, cualquier persona, creyente o no, estaría muy de acuerdo en la mayoría de las afirmaciones que allí se realizar. Sin embargo, no hay que pensar que la pereza sea un vicio que presente un rostro único sino que, en realidad, es multiforme. Y no sólo eso: podemos equivocar nuestros juicio a la hora de calificar a una actitud como perezosa...

miércoles, 23 de mayo de 2018

LA OTRA CARA DEL FESTIVAL DE MÁLAGA. EL FESTIVAL Y LOS SIETE PECADOS CAPITALES: 2.- LA GULA




Imagen del documental Alinea in Residence Madrid


A la hora de hablar de la gula, la doctrina católica identificaba este pecado capital con la glotonería. El papa Gregorio Magno (que ejerció el pontificado entre los años 540 y 604) explicaba que este pecado se podía cometer si se comía demasiado rápido, si se comía pagando un precio demasiado caro por la comida, si se comía en exceso, si se comía con demasiado entusiasmo, si se comía muy delicadamente o si se comía violentamente, términos, todos ellos, reiterados con posterioridad por Santo Tomás de Aquino (1225-1274). San Alfonso María de Ligorio (1696-1787) exponía que "no es un fallo sentir placer en el comer, porque es imposible comer sin experimentar el deleite que los alimentos producen de forma natural. Pero es un defecto comer como bestias, a través del único modo de gratificación sensual, y sin ningún objetivo razonable".

martes, 22 de mayo de 2018

LA OTRA CARA DEL FESTIVAL DE MÁLAGA. EL FESTIVAL Y LOS SIETE PECADOS CAPITALES: 1.- LA ENVIDIA


Imágenes del cortometraje Versus de Demetrio Elorz

Para (casi) terminar todos los artículos que hemos publicado en torno al 21º Festival de Málaga - Cine en español, vamos a revisar los principales ejes temáticos de las películas proyectadas desde una perspectiva poco usual. Tomando como referencia los siete pecados capitales, podremos repasar los principales títulos del certamen así como aquellos a los que, hasta ahora, no hemos hecho referencia. Al mismo tiempo, nos servirá para comprobar que los pecados ya no son lo que eran. O, quizás, sí.

* * *

LA ENVIDIA

Santo Tomás de Aquino definió la envidia como la "tristeza del bien de otro". Todavía hoy, el Catecismo de la Iglesia Católica establece que la envidia "manifiesta la tristeza experimentada ante el bien del prójimo y el deseo ordenado de poseerlo, aunque sea en forma indebida" y, para exponer las consecuencias añadidas de esta grave falta, cita a San Agustín (que veía en la envidia "el pecado diabólico por excelencia") y a San Gregorio Magno (que afirmaba que "de la envidia nacen el odio, la maledicencia, la calumnia, la alegría causada por el mal del prójimo y la tristeza causada por su prosperidad").

jueves, 17 de mayo de 2018

LA OTRA CARA DEL FESTIVAL DE MÁLAGA. MIRANDO AL FUTURO



Tanto Pepe Viyuela como Julián Villagrán respondieron a las preguntas de El espectador impertinente

Continuando con nuestra comparación del Festival de Málaga con un ser vivo, todo organismo tiene un presente, un pasado y, obviamente, un futuro. En consonancia con ello, el Festival, además de proyectar un gran número de películas ya realizadas y producidas, también deja un espacio para proyectos que aún no están culminados pero cuya terminación va a tener lugar en breve. Es un poco otear el horizonte para intentar averiguar con qué nos podemos encontrar en los próximos meses.

La sección que se dedica a ello se llama "5 minutos de cine" y ahí podemos ver pequeños anticipos de las películas seleccionadas. Durante la celebración del Festival, hemos tenido la suerte de poder hablar, por un lado, con Pepe Viyuela, cuyas circunstancias familiares sirvieron de punto de partida para el documental Un viaje hacia nosotros y, por otro, con parte del equipo de Cuando los ángeles duermen (su director, Gonzalo Bendala, y dos de sus protagonistas, Julián Villagrán y Ester Expósito), un thriller que, con las explicaciones que nos dieron sobre él, estamos deseando ver porque nos parece que puede ser muy atractivo.


Un photocall de momento vacío. Pero, dentro de poco, los equipos de Un viaje hacia nosotros y Cuando los ángeles duermen posarán delante de uno similar a este.

martes, 8 de mayo de 2018

LA OTRA CARA DEL FESTIVAL DE MÁLAGA. LA GEOGRAFÍA DEL FESTIVAL

En las dos anteriores entradas de esta serie, hemos definido al Festival de Málaga como un ser vivo y hemos visto cómo, a través de sus oquedades e intersticios, se puede realizar hasta una webserie y una película ampliamente improvisadas. Hoy, nos vamos a centrar en la faceta espacial del certamen, algo en lo que nunca se repara y que tiene interés en muchos sentidos.


Arriba a la izquierda, el Teatro Cervantes. Abajo a la derecha, el Cine Albéniz. Dos de las principales sedes del Festival.


sábado, 5 de mayo de 2018

LA OTRA CARA DEL FESTIVAL DE MÁLAGA. "AKEMARROPA" DE FJ ARRANZ



Hablamos en nuestra anterior entrada del caos organizado que es el Festival de Málaga, de su carácter casi de organismo vivo y en permanente mutación, y este 4 de mayo tenemos la prueba palmaria de que esa idea no se halla muy alejada de la realidad porque es la fecha en la que se estrena Akemarropa, dirigida por FJ Arranz e interpretada por Elena Martínez, Jorge Porras, Susana Cruzado, Sarah Castro y Rafa Chaves y con las actuaciones especiales de Antonio Dechent, Juanma Lara y Paul Lapidus.

¿Qué tiene de especial esta película como para que venga a demostrar nuestra tesis? Lo van a entender muy rápidamente.

La película que se estrena hoy es la heredera de la webserie del mismo título, y que fue rodada, en sucesivas ediciones, DE FORMA IMPROVISADA, durante las jornadas en las que el Festival se celebraba. Había un elenco fijo pero, a partir de ahí, se incorporaban intérpretes que pasaban por el certamen y que eran invitados (o que, incluso, se animaban por iniciativa propia) a participar en el proyecto. 



Fotograma de Akemarropa

jueves, 3 de mayo de 2018

LA OTRA CARA DEL FESTIVAL DE MÁLAGA. UN BALANCE PARTICULAR.




Este año, todos mis artículos sobre el 21º Festival de Málaga - Cine en Español, con la crónica de las sucesivas jornadas y reportajes de los títulos más interesantes y atractivos, pueden leerlos en ACALANDA MAGAZINE, y tengo que decir que hemos realizado un esfuerzo importante para mejorar la cobertura que haya podido realizar en certámenes anteriores. En este enlace, pueden ver el resultado de mi trabajo:



Sin embargo, también hay que decir que el material recopilado es amplio, diverso y heterogéneo por lo que hay muchas visiones y perspectivas que se han quedado fuera de esa sección pero que merece la pena recoger y mostrar para que el lector decida si tiene su interés o no. Por ello, en mi blog de cine, voy a publicar una serie de artículos bajo el título genérico de "La otra cara del Festival de Málaga" y en ellos trataré una serie de temas que, normalmente, con la premura de la crónica diaria y la visión fragmentaria de la revisión individual de cada título, se suelen dejar a un lado.



Cine Albéniz, una de las sedes principales del Festival (Fotografía de Lorenzo Hernandez)

miércoles, 11 de abril de 2018

POST DEL 2-1-2018: MEJORES PELÍCULAS DE 2017





A continuación, os doy mis listas de, según mi opinión, mejores películas del año 2017. Dividiré los títulos en cuatro categorías: largometrajes de ficción españoles, largometrajes de ficción internacionales, documentales españoles y documentales internacionales.

MEJORES LARGOMETRAJES DE FICCIÓN ESPAÑOLES



POST DEL 3-6-2017: EXPOSICIÓN "ARTE Y CINE: 120 AÑOS DE INTERCAMBIOS" EN CAIXA FORUM. COMPOSICIÓN INCOMPLETA.





El pasado 26 de abril, se inauguró en el edificio Caixa Forum de Madrid (Paseo del Prado, 36)  una exposición titulada Arte y cine: 120 años de intercambios que, como su propio nombre indica, traza un recorrido sobre las interrelaciones (en uno y otro sentido) producidas entre el cine y el resto de manifestaciones artísticas desde la irrupción de la imagen en movimiento en el año 1895. Pueden visitarla hasta el próximo 20 de agosto.

La exposición plantea un muy buen resumen de los principales hitos que, durante casi este siglo y cuarto, han caracterizado las influencias mutuas entre cine y arte, con los títulos y ejemplos visuales más relevantes o, quizás sería mejor decir, conocidos. Conforme vamos viendo la muestra, se aprecia claramente que su hilo conductor se centra en que cada época y movimiento estéticos importantes del siglo XX han ido teniendo su correlato correspondiente en el campo del séptimo arte, de modo que se podría trazar la historia de este último dibujando una línea paralela con los cambios acaecidos en la pintura, la escultura o la música: empezando con el impacto de las obras de los hermanos Lumière y las influencias que actuaron sobre ellos, siguiendo con los ecos de la famosa serie Fantômas (1913-1914) de Louis Feuillade, la irrupción del expresionismo, con títulos tan emblemáticos como El gabinete del doctor Caligari (1920) de Robert Wiene o La caja de Pandora (1929) de G. W. Pabst, la erupción del surrealismo con obras tan rupturistas como Un perro andaluz (1929) o La edad de oro (1930) de Luis Buñuel y la participación de Salvador Dalí en Recuerda (1945) de Alfred Hitchcock, los ecos del arte crítico y contestatario de los 60 en Godard y Warhol y su bifurcación posterior en un arte que va al encuentro directo con una realidad caótica, por un lado (por ejemplo, Guy Debord y su libro y película La sociedad del espectáculo), que se refugia en un mundo personal lleno de claves crípticas, por otro (por ejemplo, David Lynch) o que, finalmente, busca deconstruir el mismo hecho artístico para descubrir la ideología subyacente (como en Histoire(s) du cinéma de Jean-Luc Godard).


Proyección en la exposición de La llegada del tren (1896) de los hermanos Lumière

martes, 10 de abril de 2018

POST DEL 2-5-2016: 19º FESTIVAL DE MÁLAGA - CINE ESPAÑOL (y IV): OTRAS PELÍCULAS





En este último post, vamos a hablar de una serie de títulos que no han tenido repercusión a través del palmarés, bien porque no han merecido premio, bien porque acudían al certamen fuera de concurso.
En primer lugar, vamos a hablar de Gernika (2016) de Koldo Serra. Se trata de una coproducción entre España, Gran Bretaña y Estados Unidos que reconstruye el bombardeo de la localidad vizcaína de Guernica por la Legión Cóndor alemana en 1937. Protagonizada por María Valverde, James D’Arcy, Jack Davenport, Ingrid García Jonsson, Álex García, Bárbara Goenaga, Irene Escolar y Julián Villagrán, cuenta con una brillante factura visual los acontecimientos que narra.

POST DEL 2-5-2016: 19º FESTIVAL DE MÁLAGA - CINE ESPAÑOL (III) - PELÍCULAS GANADORAS


En este post, vamos a analizar las películas triunfadoras en la Sección Oficial del 19º Festival de Málaga.

Si, en los últimos tiempos, el Festival de Málaga había sido criticado por centrarse en comedias y películas para adolescentes, la decisión este año del Jurado (compuesto por Manuel Martín Cuenca, Belén López, Pilar Martínez-Vasseur, Alberto Ammann, Daniel Guzmán y Manuel Hidalgo) ha venido a ser una especie de golpe sobre la mesa o provocación que ha prescindido de todo intento de contemporizar con la predilección por títulos amables o convencionales y ha optado por películas atrevidas y arriesgadas.

La película Callback de Carles Torras ganó la Biznaga de Oro a la Mejor Película, la Biznaga de Plata al Mejor Actor por el papel protagonista de Martín Bacigalupo y la Biznaga de Plata al Mejor Guión (Carles Torras y Martín Bacigalupo).



POST DEL 2-5-2016: 19º FESTIVAL DE MÁLAGA - CINE ESPAÑOL (II) - PALMARÉS


SECCIÓN OFICIAL

El sábado 30 de abril, se hizo público el palmarés de la Sección Oficial.

Los premiados fueron los siguientes:

* Biznaga de Oro a la Mejor Película: Callback de Carles Torras.




* Biznaga de Plata Premio Especial del Jurado: La propera pell (La próxima piel) de Isaki Lacuesta e Isa Campo.



POST DEL 2-5-2016: 19º FESTIVAL DE MÁLAGA - CINE ESPAÑOL (I) - INTRODUCCIÓN


Entre el viernes 22 de abril y el domingo 1 de mayo, hemos podido disfrutar de una nueva edición del Festival de Málaga – Cine Español.

Aunque Málaga no se lo acabe de creer (y la industria española del séptimo arte, tampoco), es una ciudad muy cinematográfica, por lo que no cabe dudar de la oportunidad de celebrar en ella un festival de cine. En primer lugar, el público siempre se vuelca con el certamen, se ven largas colas en taquillas y es casi imposible asistir a un pase que no cuente con una afluencia masiva de espectadores. En segundo lugar, es un lujo contar con tres sedes tan hermosas como las que constituyen el epicentro del festival: el Teatro Cervantes, el Cine Albéniz y el Teatro Echegaray, las cuales ayudan a retrotraernos al espíritu de la edad de oro del cine, a la época en la que acudir a ver una película era siempre un acontecimiento especial y la promesa de mundos desconocidos y descubrimientos fascinantes.


 Teatro Cervantes


 Cine Albéniz


Teatro Echegaray

POST DEL 31-12-2015: RANKINGS DEL AÑO 2015






Como es habitual todos los años en este blog, presento los rankings de las mejores películas que he visto en este año 2015. Más que una lista con películas ordenadas estrictamente de mayor a menor calidad, es una relación de los títulos que me han parecido interesantes por sus aportaciones narrativas, interpretativas o estéticas. Eso sí, las películas que encabezan cada una de las categorías son las que me han gustado más en cada una de ellas.

PELÍCULAS ESPAÑOLAS

1.-  TRUMAN de Cesc Gay.- Dos enormes interpretaciones de Ricardo Darín y Javier Cámara y una magnífica dirección de Cesc Gay (tan precisa y sutil como es habitual en este realizador) convierten, indudablemente, a Truman en la película española del año. Una enfermedad terminal se acaba convirtiendo en una invitación para la vida.


POST DEL 1-12-2015: TERRITORIOS SOLITARIOS - LA IMAGEN MALDITA DEL SUICIDIO


Afirmaba Syd Field en su clásica obra El libro del guión que, de cara a vender el libreto escrito por el guionista, era preferible que las películas desembocaran en un final feliz. Sin embargo, en muchas ocasiones, los desenlaces se mueven en el terreno de la ambigüedad: es difícil determinar si el final de la historia es positivo o negativo. Como en la vida misma, puede moverse en un terreno de tonalidad gris. Sin embargo, hay una excepción obvia: cuando la película termina con el suicidio del protagonista, no cabe hacer matices sobre si hay algún aspecto reconfortante en la historia que hemos contemplado. Observemos que hablamos del suicidio y no meramente de la muerte. Hay ejemplos en que la muerte puede ser un acto de heroísmo o generosidad. Pero el suicidio es algo diferente. Este retraimiento de la vida sobre sí misma, su renuncia a ser lo que es, suele despertar en todos nosotros un malestar y un rechazo intuitivo que provoca que no acabemos teniendo buen recuerdo de la película que acabamos de ver. Por ello, este no es un tema que el cine haya tratado con excesiva profusión. Más bien, habría que decir que lo ha eludido consciente y deliberadamente.

Hay muchos títulos donde un suicidio (o un intento frustrado) tienen presencia en la trama: por supuesto, en todas las versiones de Ana Karenina (las mejores serían la de 1935, de Clarence Brown – con Greta Garbo-, la de 1948 de Julien Duvivier, la de 1997 de Bernard Rose y la de 2012 de Joe Wright) o de Madame Bovary (a destacar la de 1933 de Jean Renoir, la de 1949 de Vincente Minnelli y la de 1991 de Claude Chabrol) pero también en Umberto D (1952) de Vittorio de Sica, El apartamento (1960) de Billy Wilder, Esplendor en la hierba (1961) de Elia Kazan, Dos semanas en otra ciudad (1962) de Vincente Minnelli, Lilith (1964) de Robert Rossen, El compromiso (1969) de Elia Kazan, El último tango en París (1972) de Bernardo Bertolucci, Gente corriente (1980) de Robert Redford, La decisión de Sophie (1982) de Alan J. Pakula, Wetherby (1985) de David Hare, La chaqueta metálica (1987) de Stanley Kubrick, Jude (1996) de Michael Winterbottom, Las vírgenes suicidas (1999) de Sofia Coppola, Contra la pared (2004) de Fatih Akin, Caché (2005) de Michael Haneke, La caja Kovak (2006) de Daniel Monzón o Agosto (2013) de John Wells.

Sin embargo, si queremos hablar de películas que hablan de frente del tema del suicidio, lo convierten en elemento esencial de la trama y lo tratan sin dulcificarlo de ningún modo son las cuatro que vamos a comentar a continuación.

(Evidentemente, vamos a hacer spoilers de las películas que vamos a citar a continuación, circunstancia de la que aviso por si quieren seguir leyendo o no.)

Desde el punto de vista cronológico, la primera de ellas es Alemania, año cero (1948) de Roberto Rossellini. Esta película es un retrato de la Alemania inmediatamente posterior al final de la II Guerra Mundial y la caída del nazismo, un entorno donde conviven la miseria física, consecuencia de la guerra, y la degradación moral, reflejo de la infamia generada por el régimen hitleriano. El dramatismo del argumento queda trágicamente reforzado al ser el niño protagonista quien, al final, opta por el suicidio como salida a un drama que lo desborda. Funcionando aquí esa opción como metáfora de una Alemania que ha aniquilado las esperanzas y sueños de su juventud, lo relevante en este caso es la denuncia que se hace del contexto. Es ese contexto el que conduce al protagonista a su espeluznante desenlace y, en este sentido, Alemania, año cero, como la mayoría de los títulos del neorrealismo italiano, es una película combativa que invita al espectador a que luche contra unas circunstancias injustas e inmorales. Dentro de la tragedia, la moraleja, vamos a decir, positiva del film sería que, si logramos cambiar esas circunstancias, no tendremos que asistir a hechos como los que se nos narra con crudeza y amargura. Asistimos a un momento terrible pero es un llamamiento a la acción.





POST DEL 30-11-2015: ANDREI TARKOVSKI O LA TRASCENDENCIA IGNORADA (y IV)


Ante la acumulación de problemas de Tarkovski con el gobierno soviético y sus dificultades con El espejo y Stalker, sus opciones pasaban ya bien por renunciar a su forma de hace cine o incluso por abandonar la profesión o bien por huir de la URSS para poder grabar en libertad y sin cortapisas. Tarkovski eligió esta última. Pero no antes de tener que sufrir nuevas acciones represivas por parte de las autoridades soviéticas.

En el verano de 1979, Tarkovski viajó a Italia para preparar un guión junto a Tonino Guerra (https://es.wikipedia.org/wiki/Tonino_Guerra), amigo y guionista de directores tan importantes como Michelangelo Antonioni, Federico Fellini, Vittorio de Sica, Mario Monicelli, Elio Petri, Francesco Rosi o Theo Angelopoulos. Además del documental Tempo di viaggio (1983), codirigido por Tarkovski y Guerra, en el que se muestra el encuentro del director ruso con Italia y las conversaciones entre él y el guionista italiano de cara a crear su nuevo proyecto cinematográfico, en ese viaje se empezó a escribir el guion de la siguiente película de Tarkovski, Nostalgia (1983). (De hecho, en un momento del documental, se puede ver la carpeta que contiene el guión, con el título de la futura película escrito sobre ella).



Fotogramas de Tempo di viaggio

POST DEL 30-11-2015: ANDREI TARKOVSKI O LA TRASCENDENCIA IGNORADA (III)


Tras Andrei Rublev, Tarkovski estuvo seis años sin dirigir. Sólo participó, sin acreditar, en los guiones de las películas Sergey Lazo (1968) de Aleksandr Gordon y Konets atamana (1971) de Shaken Ajmanov. La prohibición durante cinco años de su película y sus problemas con las autoridades soviéticas le llevaron a un sutil cambio en sus siguientes tres films: Solaris (1972), El espejo (1975) y Stalker (1979). Partiendo, como dijimos en el primer post de esta serie, de la influencia de Hemingway y de cineastas como Robert Bresson o Ingmar Bergman, en estas tres obras, más que en el resto de su filmografía, Tarkovski se decanta por expresar entre líneas el verdadero tema del que quiere hablar y en el que pretende profundizar. Siendo estos tres títulos los más famosos de toda su carrera, no resulta extraño que sean los que asientan su fama de director críptico e inaccesible. Sin embargo, sus películas de los años 70 son plenamente coherentes con las que ya hemos revisado con anterioridad y con las que veremos en el siguiente post y ello demuestra que el pensamiento de Tarkovski se mantuvo siempre fiel a unos principios y a unos postulados inamovibles, principios y postulados que se reflejan, en realidad, con bastante transparencia en su cine.




lunes, 9 de abril de 2018

POST DEL 30-11-2015: ANDREI TARKOVSKI O LA TRASCENDENCIA IGNORADA (II)


En el anterior post de esta serie, dijimos que La infancia de Iván constituía toda una provocación al pensamiento oficial soviético y su visión sobre qué debía plasmar el arte, la literatura o cualquier tipo de acto creativo. La infancia de Iván no sólo no se acomoda a los postulados del realismo socialista sino que es, de forma sutil, un ataque contra los mismos y contra la ideología del régimen.

En apariencia, el tema elegido sí debía ser del agrado de las autoridades: la Gran Guerra Patria, la lucha de la URSS contra el invasor nazi. Pero su tono es muy diferente al que podía tener uno de los escritores oficiales del régimen como Mijaíl Shólojov y se acercaba más al Vasili Grossman de Vida y destino. Bien es cierto que ya se habían realizado películas que habían visto el conflicto bélico desde una perspectiva alejada del oficialismo: por ejemplo, Cuando pasan las cigüeñas (1957) de Mijaíl Kalatózov o La balada del soldado (1959) de Grigori Chujrai. Pero el caso de La infancia de Iván era muy diferente.

Cuando pasan las cigüeñas fue la primera película que ganó la Palma de Oro en Cannes. Sin embargo, el hecho apenas tuvo repercusión en la URSS. Apenas una nota sin titular ni fotografía (y sin mención al director) aparecida en el diario Izvestia en el año 1958. La razón de ello era que el Secretario General del PCUS, Nikita Kruschev, criticó el largometraje al considerar que la protagonista desacreditaba la imagen de las trabajadoras de la retaguardia soviética. Kruschev consideraba la conducta de dicha protagonista “descuidada e indecente”.

En el caso de La balada del soldado, tuvo menos problemas y, de hecho, fue galardonada con el Premio Lenin. No obstante, el film se alejaba de cualquier tratamiento propagandístico y se centraba en la vertiente más sentimental y emocional al contar la historia de amor de un soldado cuando visitaba su ciudad natal como recompensa por una acción heroica.

La infancia de Iván (primera película soviética en ganar el León de Oro en Venecia a la mejor película) iba mucho más allá que los dos títulos mencionados. Como ellos, prescinde de todo tono o intención propagandísticos. Como elemento añadido, no muestra una actitud heroica generalizada de los combatientes sino que la mayoría de ellos actúan de una manera simplemente rutinaria o burocrática (de hecho, es el niño protagonista el único de los personajes cuyo heroísmo es puro e incondicionado). Adicionalmente, la película se recrea en los momentos de horror con una obvia intención de denuncia o condena, arrebatando toda aura mítica o legendaria al conflicto bélico.




Minuto 42:41 de La infancia de Iván

POST DEL 30-11-2015: ANDREI TARKOVSKI O LA TRASCENDENCIA IGNORADA (I)



Cuando pensamos en directores de cine que tengan un estilo único y absolutamente personal, no hay muchos nombres con los que podamos completar la lista. Uno de ellos es, indudablemente, el del realizador soviético Andrei Tarkovski (1932-1986). Sus películas, enigmáticas y aparentemente indescifrables, están surcadas por una corriente permanente de poesía en imágenes, inconfundible en su originalidad y enormemente potente en su fuerza expresiva. Aunque pueda parecer que Tarkovski esconde en sus films un complejo e intrincado entramado filosófico, no hay que descartar la posibilidad de que, en realidad, su intención era exponer ideas más sencillas de las que la crítica y el público llegan a pensar cuando contemplan sus films.





domingo, 8 de abril de 2018

POST DEL 24-8-2015 - EL PADRINO Y LA GUERRA DE LAS GALAXIAS: TRILOGÍAS PARALELAS




Para cualquier espectador de cine, las trilogías de El Padrino de Francis Ford Coppola y La guerra de las galaxias de George Lucas pueden tener escasos puntos en común. En el primer caso, se trataría de de una película sobre la mafia. En el segundo, de una película de ciencia-ficción. El Padrino, a pesar de ser una superproducción made in Hollywood, es considerada como un prodigio artístico y filosófico. La guerra de las galaxias es vista, en la mayoría de las ocasiones, más como un puro divertimento que como una obra que encierre sesudas reflexiones. Si analizamos los orígenes de cada trilogía, tampoco percibiremos demasiados contactos entre ellas.





POST DEL 6-6-2015 - TERRITORIOS SOLITARIOS - WOJCECH HAS Y DARREN ARONOFSKY: DOS VISIONES INSÓLITAS DE ESPAÑA

Este post fue publicado originalmente en civiNova - La ciudad de la cultura el 6-6-2015.

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La historia y la cultura españolas no han sido objeto de muchas películas a lo largo de la historia del séptimo arte fuera de nuestro propio país. Hay títulos sobre la Guerra de la Independencia, como Orgullo y pasión (1957) de Stanley Kramer y Los fantasmas de Goya (2006) de Milos Forman, sobre la Guerra Civil, como Bloqueo (1938) de William Dieterle, ¿Por quién doblan las campanas? (1943) de Sam Wood, El ángel vestido de rojo (1960), de Nunnally Johnson y Tierra y libertad (1995) de Ken Loach, y sobre la posguerra y la dictadura de Franco, como Y llegó el día de la venganza (1964) de Fred Zinnemann, La guerra ha terminado (1966) de Alain Resnais y Las rutas del Sur (1978) de Joseph Losey. También se han tratado figuras literarias como Don Quijote de la Mancha en Don Quijote (1933) de Georg Wilhelm Pabst, Don Quijote (1957) de Grigori Kozintsev y El hombre de La Mancha (1972) de Arthur Hiller o la Carmen de Prospero Merimée en Los amores de Carmen (1948) de Charles Vidor y Carmen de Bizet (1984) de Francesco Rosi. Por supuesto, el mundo de la tauromaquia ha estado presente, como en las adaptaciones de Sangre y arena de Vicente Blasco Ibáñez de 1922 (dirigida por Fred Niblo y protagonizada por Rodolfo Valentino) y 1941 (dirigida por Rouben Mamoulian y protagonizada por Tyrone Power y Rita Hayworth) o en la adaptación de Fiesta de Ernest Hemingway, dirigida en 1957 por Henry King e interpretada, entre otros, por Tyrone Power, Ava Gardner, Mel Ferrer y Errol Flynn.

POST DEL 8-5-2015 - TERRITORIOS SOLITARIOS - ORSON WELLES Y FRANCIS FORD COPPOLA: LA GENIALIDAD INCOMPRENDIDA

Este post fue publicado, originalmente, el 8-5-2015, en la web civiNova - La ciudad de la cultura.

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Con esta entrada, tengo el placer de iniciar en civiNova – La ciudad de la cultura una nueva sección dedicada al cine. Su nombre, Territorios solitarios, ya avisa de que nos alejaremos de las carreteras transitadas y viajaremos por rutas extrañas y poco populares. Puede ser que hablemos de títulos conocidos pero los veremos desde una perspectiva insólita o inusual.

He estado dándole muchas vueltas sobre qué tema tratar en esta primera entrada y las noticias de los últimos días me han ayudado a elegirlo. Por un lado, el pasado 6 de mayo supimos que Francis Ford Coppola había recibido el Premio Princesa de Asturias de las Artes. Por otro, en este 2015 se celebran los 100 años del nacimiento de Orson Welles. Dentro de las diferencias que existen entre ambos cineastas, creo que ambos tienen rasgos comunes que pueden servir para explicar cuál va a ser el espíritu de este blog.